采访：Joy、Ashley
撰写：Ashley
在2019年广告圈，导演丁雨晨，成为热门。
从OPPO奇幻新年的艺术美感，京东电器220V带电新人类第三弹的沙雕，杰克琼斯T台秀的年轻时尚，再到大唐漠北的厚重，陌陌“反恐视频”搞笑又不失风趣的脑洞……不同广告风格间的切换，在丁雨晨那里，看起来毫不费力。
这让他成为某些人心中，一个多类型风格同步驾驭的近义词，一个持续产出和稳定发挥的坐标系。
随之而来的好奇是——
一个90后尚显年轻的广告导演，为何会成为马马也×OPPO、胜加×中国银联、意类×杰克琼斯、环时互动×陌陌……等各大代理商和品牌的合作对象？
在多类型广告驾驭的背后，究竟是导演的方法论使然，还是源自个人的某种才华和天分？
为什么是丁雨晨？
出身于根正苗红的编导系。从大学开始，出于个人爱好，一直活跃于话剧表演的舞台。毕业之际，凭借一个偶然的房地产广告的拍摄机会，正式入行。从演员到导演，从舞台剧到广告，丁雨晨经历了一个从幕前走向幕后的过程。以至于在面对面采访开始之后，才澄清了他出身于戏剧表演系的误解。
与电影或戏剧相比，广告称不上一门自由的艺术表现形式，它从品牌的诉求出发，回归到大众的心智认可，依赖设备、技术和团队协作。“产品”理性与创作感性，运筹帷幄与个人直觉，创意走向与大众审美的度量把控……都是广告导演需要攻克的课题。
面对“拥有戏剧经验却投身广告、年轻轻轻就能驾驭不同类型”的好奇，丁雨晨显得轻描淡写：
广告，是“最简单”的。因为完成要求，是一件相对简单的事，我们可以选择与不同的人、合作完成不同的部分。但经常我遇到的情况是，需要自己做抉择。我觉得最难的是做判断。
在品牌与代理商敲定创意脚本之后，导演的工作，就是思考和评估“将脚本变为影像”的可能，并负责全盘执行和实现。从视觉发想、分镜脚本、场勘，到置景、拍摄、后期制作，如何统领一批各有所长的人才、组成一个和谐的团队；如何在每个环节，去激荡脑力、协调各方，推向一个皆大欢喜的结果？
在丁雨晨看来，这是广告导演，所考虑的应有之义。
就像钓鱼人会试用各种钓竿、剑术家会尝试挥舞各种刀刃，最终找到适合自己的工具一样，在成为导演之时，每个人都需要尝试把不同的创作理念，付诸各种设想与实践，以找到适合自己的法门。
搜遍互联网上丁雨晨的访谈和资料，会找到流传挺广的一句话“广告导演是灵魂丰沛的厨子。”这一类似于金句的表述，凝结了丁雨晨身为导演的实际感悟。
在采访中，丁雨晨补充道，“灵魂这件事，就是你自己的情感在哪？你想做什么样的东西？”
以大唐漠北的故事为例。
当丁雨晨初次接触到题材和脚本，就有一种强烈的迷惘感、以及个体身处历史车轮下的孤独，打动到他。主角在大漠中醒来，发现自己置身于一个孤绝的处境——部队全部牺牲，原先依存的体系尽数溃败，只剩下指代使命的银两还在。
这个人能去向哪里呢？原先要去的地方，是否还存在？路上遇见的人，所说的那些话，应该怎么去相信？但是在这样一种强烈的迷惘感和孤独感当中，他又必须相信某件事情，作为他活下去的动力。所以我剩下做的所有的工作，其实都是依靠这个点来展开的——去想象那个人物。
如同小津安二郎所认为的“电影以余味取胜”的道理一样，丁雨晨认为影像或故事本身，需要有一种特定的情感和味道，作为无形的渲染与支撑。他将脚本之初，所感知到的那种“小水滴的迷惘感“，渗透进镜头，降落到《大唐漠北的最后一次转账》之中。
乌云密布的空镜、自上而下的升降、一场战斗过后遍地狼藉的运镜推移，这些镜头语言的应用，从影片开场就酝酿着人物身处历史横截面的沉重与悲情。
在人物刻画上，卢十四在大雨中带着战友家书出逃的摇晃镜头，篝火边北风拂面、独自饮酒的不发一言……克制而流畅的镜头表达，让人物的心理逐一显像。
当我们回过头来反观市场的反响，为什么大唐能频频收割大众的注意力？这根源于剧本的立意、情节设定的扎实、电影的叙事和细节塑造的功夫。这些是好故事的立身之本，也使得人物的张力、家国情怀的热血与普世的信义，都能在影像的表达中，被铺设得格外自然。
但同样值得肯定的，是镜头语言的渲染力。一以贯之的情感基调、弥散开来的情绪……在故事的前景之外，仿佛有一层更加深远、朦胧和悲壮的底色，隐隐拨动着人们的心弦。这，是导演专业度的体现。
在界定影像的情感与灵魂之后，如何呈现故事、制定表演策略、引导演员……考验着导演的功夫与火候。
在拍摄大唐漠北的故事时，一方面，丁雨晨忙于剔除两位专业演员惯有的表演行货与痕迹，并竭力保留他们在专业素养之下、对表演张力的控制。
另一方面，在群演的选择中，大漠最后那一批在军帐外面的老头，都是当地种田的普通老人。
“我的要求就很简单，我只要当地的，都不要从外面调，一定要当地人。先来批资料，挨个看，谁的皮肤粗糙、有纹理，之后他的气质对，你将他放在那个环境里边，盔甲一穿、看着镜头——你都不要跟他们说别的，就看着镜头，镜头过来的时候，微微地眼睛不动、盯着镜头，身体微微一侧，让它（镜头）过去。至于什么表达、尊敬、敬仰，这些词都不重要，只要告诉他，你要做这件事。 ”
面对非科班出身的演员，导演对于自己意图表达并取用什么，应该成竹在胸。
在丁雨晨看来，表演是可以计算的，可以被解构成不同的元素。所谓的演技，其实是经验和控制。好的演员会控制自己的身体和意志，至于情感的流露，一定需要一个合适的情境将演员推到那儿，自然而然地迸发出火花。
可以看到，从话剧经验中习得的联想代入感、表演所需的分寸与控制、演员与情境如何相得益彰的技能，被他灵活运用到导演的工作范畴。
导演真的跟做饭一样，都是方法。没错，手感这个东西，是有的。它有时候跟炒菜一样，有手感，但方法很重要。你什么时候火候下菜，什么时候哪些不要的菜把它剥掉，什么时候它应该爆炒，多少有经验的成分、有手感的成分，但更多的是方法跟菜谱。
坊间对于导演的角色和能力，一直都带有略显神秘的憧憬和认知。而丁雨晨将其与“厨子”类比的说法，多少有几分平常化和“祛魅”化的成分。
其实站在行业的客观视角，有三个维度可以审视导演的功力：文本阐释、演员指导和摄影机运用。称职的导演，能在脚本的基础上，传递独特的态度；优秀的导演，可以呈现丰富的潜文本，对故事的阐释拥有层次分明的叙事视角；而卓越的导演，可以创造出余韵悠长的影像作品，推动人们思考。
丁雨晨所说的 “灵魂”，令人不自觉地联想到一个导演意图传达的态度。那么，如何在一支短平快的广告中，彰显导演的功力？如何实现从称职、优秀到卓越的每一步进阶？这或许，是每一个身处上升期的导演，面向自己的提问。
在丁雨晨身上，我们看到他在不同类型的广告片之间游走自如。这种自如，有时甚至会令我们产生些许惊讶：啊，这又是丁雨晨拍的？
如沙雕风格的京东电器“220V带电新人类”第三弹，基于创意脚本的内容，他知道如何运用快速的节奏、浓缩的戏剧冲突，把一个梗、一个场景、一个小故事讲得明白。
如年轻感的杰克琼斯《8000公里T台秀》，在拍摄中，他会迸现出类似 “模特们穿越咖啡馆，在众人惊愕的眼光中淡定走秀”的小彩蛋，与观众达成会心一笑。
面对大唐漠北的历史厚重感，人物饱满的情绪张力，又迅速挑动观众的神经，与之产生共情。
当观众去感知一支好广告时，可以罗列出很多创造戏剧感和故事性的要素——不断推进的情节，优秀的冲突转折，悬念与幽默，真实的叙事质感，饱满的情绪表达，既无怜悯、也无煽情的创作态度……但在丁雨晨看来，他所有片子的共性，是戏剧性的内核。
不同类型的片子，它的内核都是一致的，在我看来都是戏剧性内核，就像我们塑造人物，你要把他变成一个诗意的被生活抛弃的落魄的瘸子，你就得去想落魄的瘸子，他的生活是什么样子，他经历了什么？
他的背景是什么样？他现在处在一个什么样的境况之下？他长什么样？他到底是左脚瘸还是右脚瘸，为什么会瘸？那么在他瘸了之后，他陷在当下这样的困顿之下，他让自己维生的一个方式是什么？
他要不要吃饭？谁给他饭吃？他是乞讨吗？还是专门有几个人定点喂食？那么他跟这些人的关系是什么样的？那么他跟这些人相处，能够如何达到一个平衡，让他不停地吃饭？那么他的性格会跟原来有什么样的变化？他原来的性格是什么样？他现在性格是什么样？……这就是戏剧冲突。
从人物现状的起因、生存境况的延伸，到未来走向的判断，丁雨晨擅长找到一个类似锚点的思考点，围绕这个点牵扯出不同的疑问，并对其一一消化，完成由点及面、至三维的思考。
在戏剧性之外，面对不同类型的片子，用丁雨晨的话来说，他大脑中的“解码器”会自动开启一个“理解片子的本质、及其运作机制”的解构过程。
“如果是一个Fashion片子，那么观众看的是什么？观众看的是一个演员吗？哪里来的Fashion感？其实它本质是一种打破，打破一个人惯常的对美的理念；美其实就是陌生化。”
在丁雨晨的理解中，Fashion感与沙雕感的片子，讲究逻辑的落差、抖包袱的技巧；而历史感的片子，其本质是故事的内核。相较于电影讲究的人物和奇情，广告片更倾向于以事件为中心，就如同要玩转一个脑筋急转弯的游戏，遵循一个打破、陌生化与重构的过程，与此同时还要从观者的角度，创造出观看的美感和真实。
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他特别提到OPPO《奇幻新年》的第三集，团队在置景环节，下足了功夫。
那一个主人公打开门神画幅、将手机放入画中充电的场景，为了让画面更加逼真，真人演员的身高、画幅的高度、插电口的衔接、手机的尺寸，这几者在比例关系上的转化，都经过了严格的小数点计算。
杨贵妃的发髻形状，是直线还是弯曲型；贝壳透光度的百分率应该是多少；美术馆导览手册从图片选择、文字介绍到排版的完整设计，全都被一一纳入细致的考量。
我觉得所有的表达，都需要有的放失、有所指代。所有的艺术，包括服装，其实都有一种很强烈的表达的内核。如果是为了酷炫而酷炫，这就显得有点流于表面。
一个导演的风格，常常依托于某个特定主题的持续探索或是某种偏执形式的习惯表达。粗糙的手持摄影，碎片式的剪接，情绪化的配乐，标志性的意象，细腻的体察和情感的表露，这些都可能帮助导演构建出一个富有辨识度的世界。
但是落到丁雨晨身上，导演的自我风格与痕迹，仿佛无迹可寻。且“新锐”这个略显宽泛的词汇，也成为外界安在他身上最多的评价。
当被问及，是否会担心被诟病为“没有风格”时，丁雨晨回答说：“戏剧性，才是我的一亩三分地。……对于广告而言，最大的一个影响创作风格的角色，是摄影。有些广告导演很依靠摄影，基本上摄影决定了一个影像的风格。但我跟很多摄影合作，我没有一个统一的效应。”
在目前阶段，他还在享受与不同摄影的合作，从他们身上汲取不同维度的影像理解。例如，在与飞猪的摄影合作时，丁雨晨第一次意识到可以突破“中午的光线不适宜拍摄”的条条框框，且因此产生了一股“旧枷锁”被打破的自由。
在大唐的拍摄中，拍摄过《路边野餐》的摄影师，习惯将所有场地的光线都处理得很好，也习惯不断调试画面的布景，直至最静止的瞬间。在这种置景下，演员的自由度或许被缩减了，但唯有高级的表演，更能匹配这样的质感。
但杰克琼斯的摄影，又为他带来另一种理解——所有的东西都自然地存在着，需要人去挑选自然里最珍贵的东西。最美的构图和光影，都是自然的；而人工摆设的，永远都是“假”的。
他自己总结到：“我觉得自己在工作上最大的优点，就是很善于听别人的意见。我愿意站在他们的角度去想，他们怎么去理解这个东西。”这或许是丁雨晨还没有形成固定风格的一个原因。也或许，受限于商业广告的性质——毕竟广告导演的重心，更多是在艺术表现与创意表达的贴合上，就像采访中丁雨晨自己袒露的那样：“我所有的考虑，都出于怎么样会对片子更好。”
但同时，我们也看到不少风格强烈的成熟导演，他们或多或少都能在商业诉求和个人风格之间，达到某种程度的平衡。远至国外，有些导演能够将生活中最平实的表象，拍出几分另类和真趣；有些会专注于超现实主义与意识流的恣意徜徉，有些则热衷以视觉形式的炫酷，带来审美边界的延展。近至国内的张大鹏，擅于洞察日常生活的细微纹理，抓取人物内心的情感，在作品中创造出暖心温情的色彩。
丁雨晨或许还不是一个完全意义上成熟的作者性导演。他具有影像把握的能力，但也会将一部分话语权让渡给团队的专业伙伴。他选择站在率性的自我表达与客观的市场需求之间，担当一位“中间派”的职责。就像面对“会迎合市场还是坚持自我”的提问时，丁雨晨不假思索地回答：“自我是可以改变的。市场是很多人的需求，很多人的交叉点才是市场的需求。它本质上是比你一个人做的选择更加正确的东西。”这可能是每一位称职的广告导演所具备的共识和品质。但若将创作疆域止步于此，也会不无遗憾。
每当拍完一支广告，丁雨晨都会陷入一种螺旋式的膨胀与悲哀之中。在“悟到拍片真谛”与“感觉想不通”之间，体会着坐山车般的循环。这样的自省和感受，从侧面印证这个年轻的广告导演，还走在持续突破、持续跋涉的路上。
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纵观国内广告圈的发展态势，导演的话语权似乎正在逐渐变大。过往由广告代理商承接品牌需求、与导演合作的模式，逐渐产生了变化。有些导演成立了个人工作室，直接与品牌接洽拍片，也取代了原先广告公司某些策略或创意的工作。换言之，广告导演这一角色的边界被拓宽了。无可置疑的一点是，市场反响热烈、个人风格显著的导演，会得到更多的资源倾斜，但这种导演自成一派的态势，是否会在未来愈演愈烈？
不得而知。此刻倒记起了丁雨晨导演在朋友圈封面设定的一句话：“愿灵魂丰沛，生命不贫瘠，生活不匮乏，创造不停歇。”这包含了他对自己的要求和期望。只要不断走出个人记忆和创作的舒适区、持续探索更丰富的题材和美学形式、始终保持着进阶的愿望，那么尚未定型，就是一件值得期待的事。
去年11月下旬一个冷风习习的夜晚，在导演选定的安福路热闹餐吧，我们开始了一场近4个小时天马行空的聊天。
思路清晰、凡事娓娓道来，是我们对导演的初始印象。随着交谈的深入，我们发现，他拥有一套还挺坚定的自我认知体系，对“自己风格的尚未成形”也保持着清醒的觉知。身为导演的掌控感和开放融合性，在他身上，兼而有之。
而且，这个爱过话剧、喜欢尝试各地小酒馆、读过挺多书、也看美剧、偶像是罗景壬的导演，挑选红酒的品位还挺不错。在告知选酒的诀窍时，他无意中吐出一句：“基本的方法论加上判断和一个简单的指令，就能完成一个OK的效果。”
这句话，听着还挺丁雨晨。
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文/Ashley 来源/数英网
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